Sitio web de películas, series y mundo audiovisual en general.

20 joyas del cine

Una lista con algunos de los mejores filmes de todos los tiempos.

Christine Baranki

Un repaso al perfil de esta actriz todoterreno.

Bohemian Rhapsody una oda al rock clásico

Lo mejor de Rami Malek que le valió el Oscar y el Globo de oro.

La espuma de los días

Una joya del cine indie francés protagonizado por Audrey Tautou.

Las gafas violeta para dos miniseries

Big little lies y Sharp objects, dos thrillers protagonizados por mujeres.

martes, 12 de noviembre de 2019

DISCO PIGS


“Era una vez, antes de que fuera todo azul… tomé una larga siesta en un nuevo hogar”. Así empieza 
la película, con el monólogo de nuestra protagonista desde el útero de su madre. Y cuando ve por
primera vez a su madre y a  su padre, mientras la cogen en brazos, dice: “y por única vez,  los tres
somos familia”. Estando en la cuna, mirando el techo blanco y tan solo unos pocos minutos después
de nacer, Runt comienza a pensar en cosas y en que quiere algo diferente. Es entonces cuando lo oye,
a través de la cuna rastrea el llanto, tan solitario que ella empieza a llorar también. Y todos los otros lugares
que pueden ver se vuelven invisibles cuando escuchan al otro. Y es ahí cuando comienza la magia, cuando
el niño y la niña se miran mutuamente a través de sus ojos de bebé. “Y los llantos y los gritos paran. A partir
de ese momento nos fundimos en uno y no necesitamos a nadie más…nadie”  así termina y a la vez comienza.

Disco Pigs cuenta la historia de un vínculo amorfo, entre Pig y Runt, dos adolescentes que nacieron el
mismo día en el mismo hospital. Todos los días de sus vidas son idénticos. Salen a la misma hora de
dos puertas vecinas, van al mismo colegio, bailan en la misma discoteca siempre, se sientan juntos a
mirar el mar, no hay otro universo por fuera del que ellos construyeron. Cuando Runt y Pig llevan a cabo
sus "travesuras" -un tanto macabras-, al principio es  algo propio de ellos dos, un juego, pero con el tiempo
se convierte en algo obsesivo. Es como si la conexión que hay entre ellos dos se viera reflejada solo en la
violencia, pues en el comienzo y durante casi todo el metraje, el contacto sexual entre ellos es muy escaso.

Todo cambia cuando Runt un día observa las olas “ Quiero que la marea me saque de mi…aunque sea
durante media hora” dice. Pig la mira y rompe a reír y le dice que eso es imposible, para continuar con
un relato sobre destruir con una enorme bola de fuego todo lo que no sea su reino, donde ellos se han
autocoronado Rey y Reina. Ella ve su futuro en ese oleaje impredecible y no en el constante y
predecible hecho de tomar de las manos a Pig. Pero él ve las cosas de otro modo, su despertar sexual es
tan intenso e ineludible que no encuentra otro modo de canalizarlo que no sea a través de la violencia.

Su insana relación y sus constantes “juegos” terminan por hartas a sus profesores y familia. Por eso, los
padres llevan a Runt a un internado y se ven separados. Ella empieza a  darse cuenta del cauce que
están tomando las cosas y a partir de ahí la obsesión de Pig crece y crece, y Cillian Murphy está
perfecto en el papel, sabe qué cara poner o cómo actuar en cada momento para hacer creíble el nivel de
agresividad y locura de Pig.

Pig abandona su casa y tras un largo viaje, el Rey rescata a la Reina del castillo donde estaba retenida.
Tras un emotivo y épico reencuentro, los dos adolescentes vuelven a su reino, pero quien esta viendo la
película observará que su relación no es como antes. Pig toma el micrófono en un bar de mala muerte
y se pone a cantar un tema de los Kinks, borracho y estático. Pig está enamorado y, debajo de ese
escenario, Runt lo mira, con una mezcla de miedo y desconcierto. Ella también lo ama, pero no con el
mismo nivel de dependencia, de deseo, de descontrol. En esa escena de Disco Pigs, en el antes y el
después de esa canción catártica, Cillian Murphy, interpretando a Pig, atraviesa por todos los estados
por los que puede atravesar una persona enamorada, desde la alegría hasta la decepción, desde la
compulsión a tomar el cuerpo de esa mujer hasta el asco de no sentirse un individuo porque se piensa a
sí mismo como una extensión del otro.

La simbología durante toda la cinta es notable. Que la habitación de ella sea azul, que su vestido sea
azul, y que casi todo lo relacionado con ella sea azul, un color que transmite calma y serenidad (como
el agua). Por eso se podría afirmar que las escenas en la playa la simbolizan a ella, mientras que las de
la discoteca por ejemplo le simbolizan a él, a su estado mental, igual que el rojo -símbolo del odio,
intranquilidad, agresividad, sangre- que rodea a Pig en toda la película.

La película de 2001  está dirigida por la irlandesa  Kirsten Sheridan y escrita por Enda Walsh,
que la adaptó de la obra de teatro del mismo nombre escrita por ella 1996. Podemos ver a un
jovencito Cillian Murphy y Elaine Cassidy como protagonistas. El guión está repleto de largos monólogos por
parte de los dos y cuando no, sus diálogos se asemejan a una interpretación teatral. La exacerbación del
tema principal – la dependencia. escenas agobiantes en discotecas repletas o en cuartos solitarios.
Escenas oníricas, las cuales nos zambullen en las mentes de los dos adolescentes. Una banda sonora
que va desde Doves y Goldfrapp,  pasando por Death in vegas y Moby, Dubliners hasta Mozzart.
Estas terminan de coronar la  joya de esta semana.

“¿De qué color es el amor?” Le pregunta Runt a Pig en la primera vez que les vemos en la playa. 
En la última escena, ambos en la misma playa “Azul” se responde así misma. 

Así acaba.

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lunes, 11 de noviembre de 2019

Paper li

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martes, 29 de octubre de 2019

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Gafas violeta para dos miniseries


Dos miniseries, dos misterios a resolver, asesinatos y protagonizadas por mujeres. No
podríamos estar hablando de otras miniseries que no fueran las de HBO: Big Little Lies
y Sharp Objects (Heridas abiertas en castellano).

Una miniserie es como su propio nombre indica una serie corta, esto quiere decir que
tiene un numero de capítulos previamente estipulado y la trama se resuelve en poco
tiempo. Así que para los que no se quieres comprometer, como yo, a largo plazo con
nada, o ver como una serie que te encantaba se convierte en soporífera de una
temporada para otra. Esto es ideal.



Big Little Lies comenzó como una miniserie, y aunque se resuelve toda la trama en sus 7 capítulos. Se renuevó por una segunda temporada, al estilo de The Sinner, aunque con mejores resultados.

Zoe Kravitz interpreta uno de los papeles principales. Aunque el trio protagonista formado por: Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley le pone muy difícil destacar a Kravitz y Laura Dern y ambas lo consiguen. También destacar la interpretación de Alexander Skarsgard, quien consigue que le odies desde el capítulo dos.

Una oscura y misteriosa historia sobre tres madres (Madeline, Celeste y Jane) del norte de California cuyas vidas, aparentemente perfectas, se ven sorprendidas por un asesinato durante un evento para recaudar fondos del colegio de primaria. Celeste (Nicole Kidman) es una mujer con una vida familiar perfecta y un esposo ejemplar. Sin embargo, luchará por conseguir algo que le quita el sueño todas las noches. Madeline (Reese Witherspoon) es una madre atrevida, divertida, pero tendrá que soportar que
su exmarido y su actual mujer vivan en la misma ciudad que ella. Por su parte, Jane (Shailene Woodley), una madre soltera y su llegada a la nueva ciudad no será todo lo placentera que pudiera imaginar.

Estamos delante de una miniserie con una formula habitual: un crimen a resolver, pero ni la estructura formal ni los personajes siguen los cánones habituales. Flashbacks que hacen que no se resuelva la trama hasta los últimos minutos del ultimo capitulo. Una banda sonora espectacular, paisajes y planos increíbles. Diálogos ingeniosos. Pero lo mejor sin duda es Reese Witherspoon.

Que en un thriller las protagonistas sean todas mujeres de armas tomar no es lo habitual, pero menos aun que sean madres de familias acomodadas.

Tan buena recepción tuvo esta miniserie que obtuvo todos los premios imaginables y su segunda temporada cuenta con grandísima Meryl Streep.





Y hablando de grandes actrices Amy Adams protagoniza este thriller también disponible en HBO. Partiendo del mismo argumento: un crimen que resolver.

Tras pasar un breve tiempo en un hospital psiquiátrico, la periodista Camille Preaker regresa a su pequeña ciudad natal para cubrir los asesinatos de dos chicas adolescentes. Durante años, Camille apenas ha hablado con Adora Crellin, su neurótica e hipocondríaca madre, que vive con su marido y con su hija Amma, hermanastra de Camille, una joven a la que apenas conoce. Instalada en su antiguo dormitorio en la mansión victoriana de su familia, Camille pronto se identifica con las
jóvenes víctimas. Atrapada por sus propios demonios, debe desentrañar el rompecabezas psicológico de su propio pasado si quiere obtener una historia que escribir acerca de los crímenes.

A través de sus 8 capítulos podemos disfrutar de una BSO increíble con temas como este: I can’t quit you baby de Led Zeppelin, te volverás loco o loca intentando descubrir que coño está pasando en ese pueblo y como abastecen esas ingentes cantidades de whisky y vodka. Pero como señalaba en Big Little Lies a Reese Witherspoon, en Sharp Objects tengo que volver a destacar a Amy Adams. Un EMI para AMY ya. Volvemos a un thriller donde las protagonistas son mujeres fuertes, con algo que
contar, donde los papeles masculinos quedan relegados a un segundo plano. Ya es historia los tiempos en los que los roles femeninos eran planos. El detrás de un gran hombre siempre hay una gran mujer, se cambia por detrás de una gran mujer siempre hay algún hombre.

ALERTA: Cuando la terminéis, no despeguéis los ojos de la pantalla, aguantad los
títulos de crédito.


Estas dos producciones tienen algo más en común que el medio de difusión, que sean
thrillers o que estén protagonizadas por mujeres. El creador de ambas es el
canadiense Jean-Marc Vallée, al cual viendo lo visto debemos seguir la pista muy muy
de cerca.

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La espuma de los días


En el mundo del cine mucho es lo que se discute respecto a la relación que existe entre la industria y el arte. Los más puristas, llamados por otros quisquillosos, presumen que la autoría está muerta, que el movimiento que surgió tiempo atrás llamado la Nueva Ola  fue, como dijo Lars Von Trier “una pequeña oleada que murió en la orilla”. 
En desacuerdo o no, lo cierto es que el concepto de “autor” es escaso en el mercado mainstream, y es aplicado a cineastas que se alejan de los cánones comunes y que se desligan del modelo hegemónico impuesto por el mercado estadounidense.
Michel Gondry podría considerarse un autor, y La espuma de los días, en francés, L’Écume des jours es un ejercicio cinematográfico de desmesuradas invenciones estéticas y un estilo vanguardista y surreal que conecta con parte de su trabajo como director de videoclips, quizás manteniendo aquella esencia tragicómica que desplegaba temáticamente en Bachelorette de Björk.
La espuma de los días podría considerarse como el final de una trilogía iniciada por ¡Olvídate de mí! y continuada por La ciencia del sueño, donde Gondry explora el significado más básico del amor, condicionado por factores externos de los cuales es difícil escapar.
Se trata de una reimaginación de la novela  homónima del autor francés Boris Vian, trasladando la trama al presente. Esta historia habla  de Colin, interpretado por Romain Duris, un hombre “con suficiente dinero para vivir cómodo toda su vida sin trabajar” y de Chloe, personificada por la maravillosa Audrey Tautou.
Os pongo en situación: Colin vive lujosamente, tiene cocinero particular de nombre  Nicolás,() Omar Sy. Hasta su ratón es rico y posee una casa propia. Con su amigo Chick, el protagonista prepara cócteles y combinaciones increíbles escuchando jazz a todas horas. Una noche, en una fiesta, Colin se enamora a primera vista de Chloé. No tardarán en comenzar un noviazgo y en casarse. Pero todo se tuerce cuando, en la luna de miel, Chloé aspira una semilla que le provocará una grave enfermedad: un nenúfar comienza a crecer en su pulmón. La enfermedad progresa y el tratamiento recomendado por el médico es que ella viva cercada de flores. 
Conforme el estado de salud de Chloé se agrava, la casa de Colin se va ensombreciendo y, a la vez, comienza a encoger, como su fortuna. La situación llega a un estado de deterioro, que hasta Nicolás comienza a envejecer rápidamente. Necesitado, Colin, que nunca había trabajado, decide entrar como un peón en la industria armamentística. Sin embargo, el dinero es insuficiente.. Su casa continúa oscureciendo y la salud de Chloé solo empeora.
 Esta  versión de Gondry aprovecha la vertiente más intimista del relato para adentrarse en una tragedia solapada que ilumina la pantalla con colores deslumbrantes que progresivamente van perdiendo lustre, hasta finalizar en blancos y negros.
La dirección, los escenarios espectaculares y surrealistas, los efectos especiales y el uso de los colores intentan dar cuenta del universo fantástico y surrealista creado por Boris Vian como un mundo paralelo a nuestra sociedad. La fantasía de Vian llega al extremo en en esta cinta. el universo en miniatura del ratoncito, las nubes que transportan los amantes, los zapatos que huyen de los pies, una limusina de cristal  y otras innumerables cosas, todo esto acompañado con Stop Motion.
Parece que la felicidad que Colin y Chloé se  encuentra en la simpleza de disfrutar los pequeños detalles que les ofrece la vida. Se mantiene la simpleza de las cosas pero  cuenta con todos sus excesos de una historia de amor. Cuando vemos la película nos olvidamos del existencialismo de la realidad que de muchas historias de amor . Así la espuma de los días  elude la tragedia con comedia, trabajando con contrastes, tanto de ritmo, como de tono. 

Como último apunte,  se podría decir que la estética aplicada a la historia alcanza el límite de lo obsceno en algunas secuencias. Así,  esta joya se convierte en algo más fácil de admirar que de disfrutar, algo que en mi opinión no es malo y por lo que merece ser distinguida.


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martes, 22 de octubre de 2019

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Chistine Baranki

Hoy hablaremos de una mujer con una larga trayectoria pero que, a pesar de sus muchos años dentro de la industria, parece pasar desapercibida. Comenzó en el 82 y desde entonces ha participado en más de 38 películas y 41 series de televisión. Ha sido abogada, madre de un científico, solterona alocada y libertina… 



Ha participado en películas como  Nueve semanas y media, Peligrosamente juntos, El misterio de Von Bullow o La familia Adams: la tradición continúa, Una jaula de grillos, El grinch, Mamma Mia, en la que demuestra su envidiable vis cómica. Y en cuanto a series actuó y actúa en The big bang theory, The good wife, The good fight, Cybill, BoJack Horseman…

A pesar de su larguísima trayectoria, conocí a esta maravillosa mujer en 2009 en The Good Wife como Diane Lockhart para más tarde verla como madre de Leonard en Big Bang.  Chistine Baranki es mujer increíble y de las actrices más polifacéticas del mercado.

A pesar nuestro amor incondicional, de sus personajes interpretados en los 80 y 90 no podemos hablar, ya que no nos tocan tan de cerca, pero de los más actuales podemos y mucho.

Como Diane Lockhart en The good wife. La elegancia natural de Christine es la percha perfecta para los acertadísimos estilismos de working girl con presupuesto ilimitado que siempre luce perfecta desde los zapatos hasta el peinado. Una mujer con una personalidad y carácter arrollador. Una mujer que ha roto el techo de cristal y con creces, jefa de uno de los mejores bufetes de abogados de Chicago, una Reina en un mundo de hombres, Una pionera en una profesión en la que se creía imposible innovar más . Quien haya visto la serie sabe que jamás podrá olvidar sus complementos y de su risa inconfundible.

Como la Dr. Beverly Hofstadter, bueno...¿Qué voy a decir? Todo los que hemos visto la serie sabemos cómo es Beverly.

Y Como Tanya Chesham-Leigh en Mama mía! ¿Quién no recuerda a la morenaza de piernas largas, quién volvía locos a todos los jovencitos?

YOU SHOW RESPECT TO THE QUEEN!!
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lunes, 21 de octubre de 2019

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Bohemian Rhapsody una oda al rock clásico


Es imposible hablar de la historia del rock, sin hablar, del grupo más completo de la historia: Queen. Como es imposible hablar de Queen sin hablar de su reina: Freddie Mercury.


La recién estrenada ‘Bohemian Rhapsody’ nos cuenta la historia de este archiconocido grupo desde que eran los ‘Smile’, hasta que se convirtió en lo que es hoy día: leyenda.

Para los amantes del grupo, la entrada de cine ya está más que bien pagada por escuchar sus obras maestras con el sonido envolvente del cine. Pero ofrece mucho más.


Queen era un grupo totalmente versátil, eran móviles. No paraban de innovar, trabajaban según lo que experimentaban. Al igual que la película con ‘We will rock you’ te hacen participe de la canción. Eres uno más de los integrantes, sientes una de las aspiraciones humanas más naturales, la pertenencia a algo. 

Nuestra experiencia personal con esta película es la misma (sabemos que esto no es algo objetivo, ni argumentado, solo es esa sensación) Aunque somos más de ver las películas en solitario, esta es una de esos filmes que necesitan la compañía de amigos y palomitas, porque aunque no es una película extraordinaria, en lo que a fuera de lo normal se refiere…Al fin y al cabo, no deja de ser un biopic. Es puramente sentimental, quizá por eso esta crítica se parece tan poco a una crítica cinematográfica y más a los desvaríos propios de dos personas emocionadas hasta los huesos con la piel de gallina. Pero durante los 134 minutos de duración, que se hacen cortos, sientes que tanto tú como los que están a tú lado estáis viviendo lo que está pasando en la pantalla, eres parte de ese movimiento, les conoces.


El gran himno de Queen es el hilo conductor, es el título, la parte central de la película, la emoción. ‘Bohemian Rhapsody’ tanto la canción como la película es creer en algo e ir a por ello.
En el filme podemos ver a unos jovencísimos Freddie, Brian, Roger y John, imponiéndose contra un productor de la EMI, por sacar adelante un tema que rompió esquemas.

¿Quién iba a consumir 6 minutos de mezcla ópera y rock? Pues todo el mundo, muchos años adelante sigue siendo una de las canciones más escuchadas, repuntando con el estreno de la película en 2018, llegando a elevar un 137% sus reproducciones.


Esta canción quizá sea el gran himno de la liberación. De la liberación en el sentido más amplio de la palabra.
En 1984 que salieran hombres travestidos llamaba la atención, pero el que saliera Freddie Mercury pasando el aspirador en falda de latex era un auténtico escándalo, polémico por su vida privada, verlo en este videoclip fue una muestra de orgullo, hasta entonces nunca visto.

La empatía que se sentimos con Rami Malek interpretando a Freddie Mercury fue algo que no esperábamos y que experimentamos en pocas ocasiones. Para nosotros un globo de oro y un oscar más que merecidos.

Larga vida a la reina (y al cine).



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martes, 15 de octubre de 2019

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20 joyas

Aquí una breve lista de 20 películas no comerciales para principiantes:


  1.  Alabama Monroe
  2.  La espuma de los días
  3. Yo maté a mi madre
  4.  Laurence Anyways
  5. Disco Pigs
  6.  Desayuno en Plutón
  7.  Blue Valentine
  8. ¡Olvídate de mí!
  9.  Trainspoiting
  10.  Like Crazy
  11. C.R.A.Z.Y
  12. Captain Fantastic
  13. Donnie Darko
  14. Boyhood, Mancherter frente al mar
  15. Out the Furnace
  16.  El año más violento
  17. Pequeña Miss Sunshine
  18.  Secretary
  19. El imaginario mundo del Doctor Parnassus
  20. Demolition
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Bienvenido a Palomitas con películas

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Como es evidente nos interesa el cine sobre todas las cosas. También las palomitas. Somos dos estudiantes de periodismo de la Universidad Complutense de Madrid. Hemos creado este pequeño blog en la asignatura de Multimedia. Una ocasión, como cualquier otra, para hablar, escribir y pensar en el cine y el comer palomitas.

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